国宝解説：長谷川等伯筆「松林図屏風」

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1. 概要（導入）

朝靄（あさもや）が立ちこめる松林。墨一色で描かれた静かな世界の中に、かすかな風の揺らぎや、ゆっくりと流れる時間の気配が沁（し）み込んでいる。その幽玄な光景を屏風に封じ込めたのが、長谷川等伯の筆になる**国宝「紙本墨画松林図屏風」**だ。

この作品は、日本水墨画が到達した頂点の一つと評され、今もなお多くの人の心を深く揺さぶり続けています。そして等伯は、松の幹や葉をしなやかな筆致で描きつつ、背景の大部分をあえて白い紙面として残しました。その結果、描かれた部分と描かれない部分の境界はあいまいになり、「あるもの」と「ないもの」のあわいが画面に立ちのぼっているのです。

この墨と余白の対比から、深い霧の気配や、すべてが移ろいゆくことへの感覚——いわゆる無常観——を感じ取ることができる、と多くの研究者が指摘してきました。したがって、この屏風の前に立つと、私たちは時代を越えて、自分の心の奥にひそむ静けさや、「やがて消えていくもの」への静かな諦念（ていねん）に、そっと思いを巡らせることになるのである。

2. 基本情報

作品の概要

正式名称：紙本墨画松林図屏風（しほんぼくがしょうりんずびょうぶ）
読み仮名：しょうりんずびょうぶ
作者：長谷川等伯（はせがわとうはく、1539–1610）
制作時代：桃山時代（文禄年間〔1590年代〕の制作とみなす説が有力）
形式・技法：紙本墨画（和紙に墨で描かれた水墨画）
構造：六曲一双（六枚折りの屏風が左右一対）
寸法：各隻縦約156.8 cm × 横約356.0 cm（本紙）
所在（収蔵）：東京国立博物館（東京都台東区上野公園13-9）
文化財指定：国宝（1952年11月22日指定）
世界遺産登録：該当なし

鑑賞を始める前に：国宝「松林図屏風」の三つのすごさ

この作品は、日本美術史の中でも特に多くの人に愛され、繰り返し語られてきた国宝の一つです。そこで、初めてこの屏風に向き合うとき、次の三つのポイントを心に留めておくと、より深い感動にたどり着きやすくなるでしょう。

1. 究極の「引き算」が生んだ無限の広がり

「松林図屏風」は、筆と墨、そして和紙の「白」と「黒」だけで構成されています。一見、極端なまでにそぎ落とされた世界ですが、しかしこの思い切った「引き算」こそが、作品の最大の魅力だと言えるでしょう。

なぜなら等伯は、たくさん描くのではなく、あえて描かない余白を大胆に残したからです。そしてその余白に、霧の揺らぎや風の気配、湿った空気や松の香りといった「目に見えないもの」が、観る人それぞれの感覚の中に広がっていきます。

つまりほとんど何もないように見える空間から、無限の情景が立ち上がってくる——。そこに、水墨画が目指しうる「究極の表現」の一つが示されている、と言ってよいのです。

2. 華やかな時代にあってなお、静けさを選んだまなざし

等伯が活躍した桃山時代は、豊臣秀吉の権勢を背景に、金箔や鮮やかな彩色で城郭（じょうかく）の内部を飾り立てる豪華絢爛（けんらん）な障壁画が主流でした。したがって狩野永徳（かのうえいとく）らによる金碧障壁画は、その象徴ともいえる存在です。

ところがそのような中で、等伯は、金や派手な色彩から距離を取り、墨一色の静かな世界を深めていきました。この選択には、当時の「豪華さこそが美」という価値観に対して、別の美を探ろうとする、静かな意志のようなものが感じられます。

つまり時代の流行から一歩身を引き、自分だけの表現を研ぎ澄ましていく——。「松林図屏風」には、そうした孤高の芸術家のまなざしが、画面の隅々にまで宿っているように思われるのです。

3. 日本人が大切にしてきた「儚い美」の結晶

この屏風は、すべてのものが絶えず変化し、永遠にとどまるものはない、という無常の感覚を、きわめて静かに、しかし力強く伝えていると考えられています。

そして霧に包まれて、今にも溶けてしまいそうな松の姿は、私たち自身の人生の儚（はかな）さや、一瞬の輝きの尊さ、そして困難の中でなお立ち続けようとする強さを想起させます。

したがってこの作品は、日本人が長い時間をかけて育（はぐく）んできた「儚い美」を体現した傑作として、時代を超えて多くの人の心に響いてきました。まさに松林の静かな姿と向き合いながら、自分自身の感情や記憶と、ゆっくり対話することのできる作品だと言えるでしょう。

3. 歴史と制作背景

長谷川等伯は、1539年に能登国・七尾（現在の石川県七尾市）に生まれました。そして若い頃から絵の才に恵まれ、やがて京都に進出して画家として頭角を現します。

華やかな時代が生んだ、ひそやかな傑作

等伯が活動した桃山時代の画壇では、前述のように狩野派を中心とした金碧障壁画が宮殿や城郭を彩り、きらびやかな世界がもてはやされていました。したがって権力者たちも、豪奢（ごうしゃ）な表現を好んで採用していました。

ところがそのただ中で、等伯は墨の濃淡だけを用いて、ひっそりと霧の中に立ち尽くす松林を描き出しました。表面上の華やかさとは対照的なこの静けさには、戦乱と権力争いの時代を生きた人々の心の不安や揺らぎが、どこかに映り込んでいるようにも感じられます。

松が持つ象徴的な意味と、等伯の解釈

松は古来、常緑樹として「長寿」や「永遠」、さらには「忠節」などを象徴する、吉祥性（きっしょうせい）の高いモチーフとされてきました。したがって豪華な屏風や襖絵（ふすまえ）であれば、金箔や鮮やかな色と組み合わせて、力強く描かれることが多い題材です。

ところが等伯は、この吉祥のモチーフを、あえて墨一色で、霧にかすむような儚い姿として描きました。そこには、華やかな時代への静かな問いかけ、あるいは「永遠」を象徴する松であっても、やがて変わり、消えゆくものなのだ、という無常の美を示そうとする意図がにじんでいるようにも見えるのです。

等伯の人生観と故郷への思い（研究者の見解）

この作品には、等伯自身の人生観や、故郷・能登への思いが反映されているのではないか、という見解があります。つまり能登の海辺に広がる松林の風景が幼い頃から彼の目と心に深く刻まれており、それが年月を経て、霧立つ松林として屏風に昇華（しょうか）されたのではないか、と考えられているのです。

また、等伯は壮年期の終わりに差しかかる頃、大切な息子を亡くすなど、深い悲しみや試練を経験しました。そうした人生の苦難を経て、彼は画面から余計なものを極力排し、墨だけが持つ静けさの中に、無常の感覚や祈りに近い想いを託していった——そのように解釈する研究者も少なくありません。

牧谿の影響と、日本的な水墨表現の成熟

等伯の水墨画には、中国・南宋時代の禅僧画家・牧谿（もっけい）らからの影響がしばしば指摘されます。そして牧谿の作品に見られる、静かな気配や、墨色の微妙な変化を学びながら、等伯は自らの力強い筆致と組み合わせ、湿り気のある日本の気候や風土にふさわしい水墨表現を築き上げました。

また、「六曲一双」という屏風の形式も見逃せません。折れ曲がることを前提とした大きな画面構成を活かしながら、等伯は松の位置や向きを綿密に計画し、折れ目をまたいで松林が連なって見えるよう工夫しました。その結果、屏風の前に立つと、視線が自然と画面の奥へと吸い込まれていくような、独特の広がりが生まれているのです。

4. 構図・技法的特徴

この屏風絵は、その規模（各隻約156.8 cm × 356.0 cm）と六曲一双という構造によって、伝統的な日本絵画の形式美と、等伯独自の構成力をよく示しています。

墨の濃淡がつくり出す「空気」

等伯は、和紙に墨一色で松林を描いていますが、しかしその墨の使い分けは驚くほど巧みです。

まず**濃い墨（濃墨）**で手前の幹や枝を力強く描き、

次に**淡い墨（淡墨）**で奥の松や霧をぼかしながら重ねていくことで、

霧の中から木々が立ち上がってくるような奥行きが生まれています。

そして近年の研究や技術調査からは、松の葉を描くために、穂先を束ねた筆や、割った竹の先端、藁（わら）を束ねたものなど、複数の道具を使い分けていた可能性が高いとされています。したがって遠目にはやわらかく揺れる松葉が、近づいて見ると、勢いのある筆致の集積であることが分かり、等伯の集中した呼吸と気迫が、そこに刻み込まれていることに気づかされます。

濃墨から淡墨へ、そして紙の白へと、墨の濃さが連続的に変化していくことで、霧の湿度や空気の重さまで感じさせる——。この「空気そのものを描く」ような感覚が、「松林図屏風」の大きな魅力の一つなのです。

余白と省略の美学

この作品で特に印象的なのは、背景がほとんど描き込まれていないことです。つまり等伯は、細部を埋め尽くすことよりも、あえて空白を残すことを選びました。

そしてその余白は「何もない空間」ではなく、風が通り抜け、霧が漂い、時間が静かに流れていく場所として感じられます。したがって観る者は、描かれていない部分にこそ、自らの記憶や感覚を重ねていくことになります。

荒々しい筆致と、静かな余白。二つの要素が同じ画面に共存していることこそが、後の日本画や水墨画に大きな影響を与えました。まさに「墨だけでここまで語ることができる」という確信を、後世の画家たちに示した作品でもあるのです。

5. 鑑賞のポイント

「松林図屏風」と向き合うとき、少しだけ視点を意識してみると、作品との対話がいっそう深まります。

静けさを感じやすい時間帯と、視線の高さ

実物を鑑賞できる機会に恵まれたなら、できれば朝一番など、展示室の空気がまだ静かな時間帯に訪れることをおすすめします。なぜならやわらかな自然光や落ち着いた照明のもとでは、墨の濃淡や和紙の質感の微妙な違いが、より豊かに見えてくるからです。

また、少し腰を落として、目線を画面の中ほどに合わせてみると、自分が霧の立つ松林の中に立っているような感覚が生まれてきます。そもそも屏風はもともと、人が座る高さからの視線も意識して作られた道具でもあります。したがって立ったり座ったりしながら、視線の高さを変えてみると、見える風景がふっと変わる瞬間があるかもしれません。

二つの距離で体験してみる

展示室の条件にもよりますが、おおよそ次の二つの距離をイメージして鑑賞すると、それぞれ違った表情と出会えます。

【距離 1】少し離れて、全体の霧とリズムを味わう

屏風全体を一度に見渡せる位置から、まずは作品と向き合ってみましょう。この距離では、手前と奥の松がつくるリズムや、霧の濃淡、左右一双の屏風が生み出す広がりがよく分かります。そして松の幹が、まるで霧の中から「ぬっと」姿をあらわすようにも見えてくるのです。

【距離 2】できる範囲で近づき、筆の気配をたどる

展示室のルールに従いつつ、許される範囲でそっと近づいてみてください。すると遠くからは柔らかい葉のかたまりに見えた部分が、近くで見ると一本一本が勢いのある筆線の集まりであることに気づきます。

そして松の葉の先端は、ときに荒く、ときに細やかに描き分けられており、道具を使い分けていたと考えられるほどの変化があります。そこには、墨が乾く前に一気に描き切ろうとする、一瞬一瞬の集中の軌跡（きせき）が刻まれているのです。

構図の見どころと、主題の広がり

六曲一双の屏風は、折れ目の存在によって画面が区切られてしまうようにも見えますが、しかし「松林図屏風」の場合、その折れ目をあえて利用して、松の幹や枝が互いに呼応するように配置されています。

したがって右の屏風から左の屏風へと、視線をゆっくり移していくと、松が向き合い、すれ違い、奥へと誘（いざな）う——そんな視線の流れが自然に生まれています。

また季節については、雪景色と見る説、霧の朝と見る説などがありますが、特定の季節に限定せず、自然の移ろいそのものを描いたと考えることもできるでしょう。つまり冬の霧を思い浮かべる人もいれば、夏の湿った朝や、秋の明け方を重ねる人もいるかもしれません。

このように白と黒だけの世界に、自分なりの季節と時間を重ねてみると、「すべてが常に変わり続ける」という無常の感覚が、いっそう身近なものとして立ち上がってくるのです。

6. この文化財にまつわる物語（伝承・逸話）

ここでは、「松林図屏風」をめぐって語られてきた印象的なエピソードを、伝承として三つ紹介します。いずれも、厳密な史実というよりは、等伯の人物像や作品の深みを感じさせる物語としてお読みください。

伝承 1：能登の海風と松林の記憶

等伯の故郷・能登の七尾には、海辺の松林が続く風景が広がっていました。そして幼い頃からその姿を見て育った等伯の心には、潮風に揺れる松の姿が深く刻まれていた、と語られています。

年月を経て京都に移った後も、その記憶は静かに彼の中で息づき続け、やがて霧立つ松林として屏風に蘇（よみがえ）ったのではないか——。したがって「松林図屏風」の前に立つとき、霧の向こう側に、等伯自身の原風景がうっすらと重なって見えるのかもしれません。

伝承 2：孤高の画家、栄光と重圧

京の画壇で名を上げた等伯は、ときに「成り上がり者」とみなされるなど、周囲との摩擦（まさつ）や緊張とも向き合わざるをえませんでした。そして名声を得れば得るほど、彼は画面から装飾や説明的な要素をそぎ落とし、沈黙の中に真実を探ろうとした、とも伝えられています。

したがって松林を覆（おお）う霧の静けさには、そうした等伯自身の孤独や葛藤（かっとう）、そしてそれを越えようとする意志が、どこかに滲（にじ）んでいるのかもしれません。

伝承 3：無常への黙祷

年齢を重ねるにつれ、等伯は身近な人の死や時代の移り変わりを通して、ますます無常という感覚を深く受け止めていきました。そしてある伝説では、等伯が松林図屏風の前にひざまずき、静かに呼吸を整えながら、自らの一生を重ねるように画面を見つめていたと語られています。

つまり朝霧に包まれる松の姿を前に、人間の運命の儚さについて、祈るような思いを抱いた——。その黙祷にも似たまなざしが、「松林図屏風」という作品そのものに、静かな命を吹き込んでいるのだと語られてきました。

7. 現地情報と鑑賞ガイド

静かに出会うために、事前に確かめておきたいこと

収蔵場所と展示室：本作品は東京国立博物館に収蔵されており、展示される際は主に**本館2階・国宝室（本館2室）**に並びます。

展示期間について：国宝という性格上、作品保護のため展示期間は非常に短く、年によって大きく変動します。近年は、1月上旬の期間に公開されることが多い傾向にありますが、必ずしも毎年同じとは限りません。

夜間開館など：夜間開館は特別展の開催時期などに合わせて実施される場合があり、通年で決まっているわけではありません。

したがって静かな時間にゆっくり作品と向き合うためにも、訪問前に東京国立博物館公式サイトで、最新の開館時間や展示スケジュールを一度確認しておくと安心です。

東京国立博物館の基本情報（目安）

通常の開館時間：9時30分〜17時00分
入館締切：閉館の30分前まで
休館日：月曜日（祝日または休日の場合は開館し、翌平日に休館）、および年末年始
注意点：特別展の開催やイベントにより、開館時間・休館日が変更になる場合があります。

アクセスと、過ごし方の目安

アクセス：東京国立博物館（東京都台東区上野公園13-9）は、JR上野駅・鶯谷駅、京成上野駅、東京メトロ上野駅などから徒歩圏内にあります。そして上野公園の緑の中を歩きながら向かう時間も、気持ちをゆっくりと作品へと向ける助走になるでしょう。

鑑賞時間の目安：国宝室で「松林図屏風」と静かに向き合うには、少なくとも20〜30分ほどあると、距離や視線を変えながら、じっくりと空気感を味わうことができます。そして可能であれば、椅子や腰掛けが許される場所を見つけ、少し座って呼吸を整えながら眺める時間をもつとよいでしょう。

周辺の見どころ

上野公園（四季折々の自然と文化施設が集まるエリア）
東京国立博物館内の他の展示室（仏像、仏画、日本画、考古資料など）
近隣の東京藝術大学大学美術館や上野の森美術館など

時間が許せば、これらを合わせて巡ることで、日本美術や文化の連なりを、より立体的に感じることができます。

8. マナー・心構え

展示室では、周囲の人の鑑賞のリズムも大切にしながら、静かに過ごすことが求められます。そして「松林図屏風」の前では、自分の呼吸や立ち位置にも意識を向けつつ、そっと心を鎮（しず）めるように佇（たたず）んでみると、作品との共鳴が深まっていきます。

また多くの場合、撮影やフラッシュの使用は文化財保護のため制限されています。現地で示されるルールに従うことで、作品がこれからも長く守られていきます。

そして屏風は、光や振動にとても敏感な作品です。したがって展示室内での大きな動きや、作品に近づきすぎる行為は避け、他の鑑賞者とも譲り合いながら、静かな空間をともに保っていきたいところです。

さらにもし、腰掛けて鑑賞できる場所があれば、少しだけ座って、目線を下げてみるのもよいでしょう。視点が変わることで、松林の静けさが、より身近なものとして感じられるかもしれません。

9. 関連リンク・参考情報

東京国立博物館（所蔵・展示情報）：https://www.tnm.jp/
文化庁「文化遺産オンライン」：松林図屏風：https://bunka.nii.ac.jp/heritages/detail/201217
キヤノン綴プロジェクトによる高精細複製品紹介：https://global.canon/ja/tsuzuri/
長谷川等伯（Wikipedia）：https://ja.wikipedia.org/wiki/長谷川等伯

10. 用語・技法のミニ解説

水墨画（すいぼくが）：墨の濃淡（濃墨から淡墨まで）を用いて描く絵画技法。色彩を抑え、墨だけで光や影、空気感を表現する。

余白（よはく）：あえて描かずに残す空白の部分。そこに風や時間の流れ、見えない世界を感じさせる、日本や東アジアの美術に特徴的な発想。

省略（しょうりゃく）：細部まで克明（こくめい）に描き込むのではなく、本質的な部分だけを抽出し、あとは見る側の想像に委（ゆだ）ねる表現。等伯は、省略によって生命感や気配を際立たせている。

六曲一双（ろくきょくいっそう）：六枚の連続した面（曲）で一つの屏風をつくり、それが左右一対（双）となった形式。折れ曲がりによるリズムと、広い画面構成が特徴。

無常観（むじょうかん）：すべてのものが常に変化し、固定した永遠の存在はない、とする仏教的な世界観。儚さや移ろいの中に、かえって深い美や真実を見出そうとする感覚。

ライセンス：パブリックドメイン
出典元：Wikimedia Commons

日本美術松林図屏風桃山時代無常観・幽玄長谷川等伯

国宝解説：長谷川等伯 筆 「松林図屏風」